Keaton的夢幻☆遊樂園: [樂理]Keaton的作編曲音樂課集錦(2023/10/19更新)

　　因為從2023年7月初找了作編曲的音樂老師來教小弟音樂，小弟打算把教學的內容寫成文章，讓未來可以依循以前的文章來檢視自己，也可以分享給不同的朋友。近期也是小弟比較大量創作的一段時間。沒有客戶的催稿壓力，也沒有一定要在什麼時候完成的due date壓力，小弟可以慢慢地但盡情地創作，也可以說是相當幸運。

　　老師用心良苦，一開始便不是選擇用音色跟效果豐富的電腦編曲教學，而是用小弟家的平台鋼琴來進行作編曲的教學，是因為老師要教的是除了"音色庫"跟"混音效果"以外的音樂表現。只有將彈奏樂器簡單化，才能感受到更多的動態(dynamic)跟律動(grooving)等細節。

　　老師勉勵小弟，目前小弟作曲的程度已經可以試投遊戲音樂的投稿了。但如果可以，其實還有很多可以再更棒的地方，老師也會不斷的把這些可以更優化音樂的內容作教學。

【2023/10/19】

☆作編曲技巧☆

老師上次給我一個功課，是只用C Dorian裡面的5個音來寫出一首8小節的歌。因為沒有靈感，小弟並沒有做完功課。

老師告訴小弟，當在做音樂上可以使用的音階、調式越多的時候，會變得更複雜而沒有頭緒。這個概念很像是個超級武林高手，身上集結了各式各樣的武功，但是當要使用的時候，反而不知道要使用什麼，又或是全部都使用卻變成了四不像，甚至進入走火入魔期。先把工具(調式)使用好，再來處理其他的部分。

聲部導進(tension)的部分，小弟想要曲子先慢後快最後慢，設定情境則是在西部荒野大草原、走累了的時候看到一匹馬、開心的騎上馬、最後不小心跌下來的故事。

第一階段

草原荒野的概念，必須把音域在更展開一些，不會是只有高音域或是只有低音域。然後，在C,F,G,C'中間選用完全四度的C,F與完全五度的C,G，它們的聲響比較方正，但是這種狀態會有更多不安定(到底是大調還是小調)，給人更多的想像空間。最後彈了C2G2C6G6當作第一階段的起頭。

第二階段

我正在走路，看到一匹馬的意象。在流行樂裡面有所謂的Riff(重覆樂段)，可以應用進去。而且，重複同一個音會更像說話的語調變化，而不是音調一直在變化，變成聽不懂對方在說什麼(但也有可能是想要強調一件事)。在走路過程中，「啊、我看到一匹馬！」的興奮的感覺，如果用音樂來代表，也許會變成1'.... 1 4 4 5 4 1~~。前面的1'是讓聽眾有種被點到的感覺。

為了增加小弟的編曲與混音知識，老師接下來又聊到了空弦泛音、共振泛音，並以鋼琴作為例子彈奏。接著，談到Double Track Recording，因為兩次錄的泛音是不同的，要想的不是聲音的大小，而是泛音的多少。而後又聊到Reverb裡面應該砍掉哪個頻段，是低頻、高頻、還是兩者？接下來，又聊到混音的寬窄(Reverb)跟深淺(Delay)。

☆問題回饋☆

Ｑ：最近有看侯志堅老師的配樂課程，感覺做配樂跟做一般的曲子差很多？

Ａ：配樂的細節是更多的。常常自己做了覺得100分，但是推給案主時，回饋卻是差了一點。最後會在於，要怎麼把感覺刻劃得細緻一些。配樂著重的是氣氛，其次是配器，最後才會是旋律。可以嘗試看看幫一段影片配樂，像是新聞龍捲風等等。

Ｑ：擔心自己學配樂學得有點早，會不會反而適得其反？

Ａ：不用給自己太多的設限，同時也贊同多多嘗試。像是配樂可以很日常，去設定情境等等。另外，也不用限制自己是全方位，就像作曲家也沒有真的全方位，即便有，還是會有人覺得做的味道不對，古典不夠深、流行不夠洗腦等等。

【2023/09/25】

☆彈奏技巧☆

為了練習協調性，今天練了幾種簡單的彈法：

1.上行時左右手同時彈C,D,E,F,G,F,E,D,C，下行時左右手同時彈G,F,E,D,C,D,E,F,G

2.將不同組的間隔時間調成4拍,2拍,1拍

3.左手彈C,D,E,F,G,F,E,D,C，右手彈G,F,E,D,C,D,E,F,G，並將間隔時間調成4拍,2拍,1拍

4.左手彈G,F,E,D,C,D,E,F,G，右手彈C,D,E,F,G,F,E,D,C，並將間隔時間調成4拍,2拍,1拍

☆作編曲技巧☆

今天主軸講解「五度圈」與「教會調式」

「五度圈」方面，小弟邊用鋼琴彈邊算出個別的音調。降調的部分(越往逆時針走，會依次獲得一個降記號)，先走C大調的C往下算完全五度是F，下一個是Bb，依此類推。升調的部分(越往順時針走，會依次獲得一個升記號)，先走C大調的C往上算完全五度是G，下一個是D，依此類推。走到五度圈的下面，會來到同音異名區，像是Gb跟F#、Cb跟B等等。過多的升降記號，則會超過記譜上易懂的原則。

「關係調」指調號是一模一樣的，只是演奏出來的聲響效果不同，例如C大調與A小調。關係調也可以用上下找完全五度的音去找升調與降調的調號。「平行調」指的是他們是同個名字，只是互不相干，例如C大調與C小調。另外，「近係」指的是級數有關連的幾個和弦，例如C大調的近係就是C(I),F(IV),G(V),dm(ii),am(vi),em(iii)，而C大調的近係當中為何沒有VII級，是因為它是一個減和弦，被列為不和諧音程，它不列入在任何的調性裡面。「遠係」指的是近係以外的調號。

五度圈大概是十九世紀一位理論作曲家，提出這個理論是為了讓學生能更明確地將調給找出來。

在各種不同的音當中，屬音、下屬音是第一重要，第二重要則是導音(因確立一個調而重要)。

小調音階有分為幾項：「自然」、「和聲」(確立這個調而出現)、「曲調」、「現代」。自然小調音階裡，除了mi,ti原本就降音以外，其他都沒有升降。和聲是升高第7音(ti)，也是最常聽到的音階。曲調有上下行差別，上行升高第6(la),7(ti)音，下行不升高任何音，用法是可以連接更多新的聲音。現代則沒有上下行之分，升高第6(la),7(ti)音。

「教會調式」(mode)方面，可以先從每個調的半音全音差別去算，因為是相對的音程，也可以用簡譜的方式去解說。個別的調式名稱為ionian, dorian, phrygian, lydian, mixolydian, aeolian, locrian。ionian其實就是大調音階。dorian可以分成兩個部分：2,4,6跟5,7,2'，便是我們在dorian常使用的和弦。phrygian比較像是西班牙或是中東音樂的元素，精髓在於第2音是降音。lydian比較經典的例子是辛普森家庭的主題曲。locrian相對也比較特別，跟phrygian也很類似。

老師教調式，主要是希望小弟能去理解聲音的效果。這次也讓小弟練習C dorian當作功課，精髓在於7,1',2'，否則前面跟小調音階沒什麼兩樣。找素材的部分，老師也推薦可以在YT搜尋類似C dorian lick的關鍵字，便可以找到以這些教會調式為基底的曲子。

Keaton [凱特] · A17_Unwilling To Give Up(不甘放棄)

Keaton [凱特] · C02_Mini Battle(迷你戰鬥)

【2023/09/21】

☆彈奏技巧☆

彈完一般的哈農之後，老師提點，雙手連彈時，小弟右手的連續性比較差，而且相對左手彈得比較小力。經過老師調整之後彈，有比較好一點。

接下來，老師要我彈看看大調音階。從右手開始彈一個八度的大調音階(上行+下行)，接著彈兩個八度的大調音階(上行+下行)；接下來再換左手，彈的順序一樣；最後兩手一起彈，彈的順序一樣。

老師表示，他看到學生在彈音階時，最常發生的問題是轉手時有多餘的動作，大家平常不太會發現，但最好能夠降低這個多餘的動作。

☆作編曲技巧☆

老師這週希望把和弦上的東西再分得清楚一些。正常的C和弦(由C, E, G組成)，以左手來說，可以用1,3,5的手指(大拇指,中指,小指)來彈奏，也可以用1,2,4的手指(大拇指,食指,無名指)來彈奏，也就是老師希望小弟能對彈正三和弦的手型有體感。老師接下來讓小弟彈了C和弦、Bb和弦、A和弦，每個和弦都可以用手指1,3,5或是手指1,2,4來彈。如果是全部都是黑鍵的Gb和弦，則手型的變化更多，可以用1,3,5、1,2,5、1,2,4等手型來按，全黑鍵會比全白鍵好按一些，因為它的距離會短一點點。

接下來，老師講到順階和弦(順著階梯向上或向下)，順階和弦用在流行樂裡面居多，例如C大調的順階和弦，代表C大調裡的每個級數在哪裡。而C調的I級是大三和弦，II級是小三和弦，III級是小三和弦，IV級是大三和弦，V級是大三和弦，VI級是小三和弦，VII級是減三和弦。老師以前為了考試，都會背些規則，例如剛才的C大調順階和弦，會記憶成「大小小大屬小減」，其中屬和弦是V級。正常的VII級都會是減三和弦，除非是像C小調的VII級，會跟大調的VII級借音，聲響上面也允許。

順階和弦最主要是為了培養相對音感，相對音感的人相對上必須要有個基準，才能找到某個音。老師敲了一下鋼琴琴蓋，問我這是什麼音高？聽起來像是Fa，但是因為後面還有在改變，這個我們就不會稱之為一個完整的音符。完整的音符有兩個條件，1.有足夠的聲響泛音，2.有足夠的延長。另一個相對音感的部分是，我能不能聽到某個聲音就判斷它是什麼樣的和弦。老師接下來彈了許多不同的和弦，並要小弟回答這是哪種種類的和弦。在聽和弦種類的過程，老師聊到sus和弦，主要是要做未完成的使用。這個用法其實來自於教會的結尾，也就是中止式。

老師接著講解中止式。正格中止指的是V級走到I級。每個音都會有其功能，屬音(sol)、導音(ti)都是為了導向主音(do)。一般寫歌寫到7音時，會有個導向回到主音，當然也可以不要回到主音、繼續延續下去。老師接著解釋每個音的功能，並用同時往上與往下發展來講解。主音(do)往上發展五度叫做屬音(sol)，往下發展五度叫做下屬音(fa)。主音(do)往上發展三度叫做中音(mi)，往下發展三度叫做下中音(la)。導音(ti)是為了導向主音(do)而有的，因為他是獨立的，我們不會叫re為上導音，而是叫上主音，也因此上主音(re)比較沒有什麼特色跟記憶點。老師也講解到，在和弦應用上，會有所謂的「省五重根」，省掉五音去重複根音，也是一個作曲的技法，因為根音越多聽起來更穩定，也會更確定和弦是哪種和弦。

聊到sus的原因，是因為有正格中止就會有變格中止。例如教會中止(也是一種變格中止)，便是從IV級和弦走到I級和弦的中止式。級數走向則是向爵士樂的II級=>V級=>I級以及古典樂的IV級=>V級=>I級。還有一種叫做假中止，只要中止式不是V級=>I級都可以稱之。

☆當週作品☆

Keaton [凱特] · C01_The Lonely King Keaton(孤獨的基頓大王)

【2023/09/04】

☆彈奏技巧☆

開頭老師請小弟隨意彈首哈農，小弟彈了之前教的[8音強>8音中>8音弱>8音更弱>8音強>...]的循環。老師聽完以後提點，因為連接上，從[8音強>8音中]的過程，強度差得有點太多，比較不像"漸強"或是"漸弱"的感覺，比較像是"突強"的感覺。老師繼續解釋"突強"。"突強"有點像是平常爬階梯，突然有個非常高的階梯要爬，會變得有點突兀。

老師接下來要小弟彈的是[8音極強>8音極弱>...]的循環，以及[8音極弱>8音極強>...]的循環。老師也特別提點，當琴鍵從[極強]轉換到[極弱]時，可能會按出不清楚甚至沒有按到琴槌敲下的力度，這時候的觸鍵就特別的重要；當琴鍵從[極弱]轉換到[極強]時，則要注意聲音的斷層，也就是[極弱]的音要按滿再接[極強]。另外，在[極強]的時候，要放手去彈，不要留下一點的力度空間；在[極弱]的時候，則是要維持觸鍵使聲響能被聽到。

為何要練強弱動態呢？老師解釋，這也是為了要做肌肉的訓練，另一方面則是培養動態使用。

接著，老師要小弟彈"強後弱"（fortepiano，屬於即時的彈奏技巧）的哈農（不是"突強後弱"這種規劃好的），也就是[極強,弱,極弱,極弱,極弱,極弱,極弱,極弱]的循環。小弟覺得，這個練習難的地方除了強弱的拿捏不容易，更難的是左手小指要彈極強、無名指要彈弱，可說是不好掌握的彈奏技巧。

☆作編曲技巧☆

今天主要講調性[7]。

升調(Sharp)升得越多，聽起來有越亮的感覺。

順序：(升記號少)F#(fa), C#(do), G#(so), D#(re), A#(la), E#(mi), B#(si)(升記號多)

降調(Flat)降得越多，聽起來有越沉的感覺。

順序：(降記號少)Bb(si), Eb(mi), Ab(la), Db(re), Gb(so), Cb(do), Fb(fa)(降記號多)

數字有所謂的黃金比例，音樂中也有，便是所謂的5、4、8等數字。

下次老師會教所謂的"五度圈"，使用也非常廣泛。

接下來，老師提到"失效區"，也就是樂器沒辦法共振出相對應的音高、或是超出樂器可以演奏的範圍。老師舉例，之前有個朋友幫國外配樂大師校稿，結果發現其中一些小提琴的音走到了"失效區"，後來解決的方法是改用中提琴去cover這些小提琴的"失效區"。也許大師有失誤，但老師帶到要講的主軸，就是音樂製作上，我們要避免又想樂器怎麼發展旋律、又要想樂器的發聲，而是要想，怎麼樣才能製作出我們所要的"聲響"，這無論在作曲、編曲上，都是很重要的。如何不去從結構出發，而是從聽眾的耳朵的角度出發，老師再次提醒小弟。

老師接著談到，五度疊成/五音堆疊(C4 G4 D5 A5 E6 B6 F#7)與四度疊成/四音堆疊(C4 F4 A#4 D#5 G#5 C#6 F#6)，並分別彈了一段給小弟聽，問小弟這個聲響聽起來有什麼感覺？小弟回，兩種疊成都有用過，五度疊成有種世界大同的感覺，而四度疊成則有種出兵出征的感覺。老師說退回理論來講，五度疊成從C4到F#7，或是四度疊成從C4到F#6，會給人一種"換了調"的感覺。小弟也從數學的角度來嘗試回答，例如完全八度是12個半音，完全五度則是7個半音，當完全五度疊成7次(從C4到F#7)時，已經差了7*6=42個半音，再用完全八度去同餘，42÷12≡6，然而半音差6個，卻是tritone的音程，因此會給人"換了調"的感受。這樣的用法，便會給聽眾更多的遐想，比起導音更有力度。

接著，老師聊到怎麼使用半音音階。首先彈奏方面，右手中指(3)都是彈黑鍵、食指(2)與大拇指(1)則都彈白鍵，琶音彈上去的手指按法則是13131231313...等等。使用時機方面，例如彈奏"C4, E4, G4, C5"，可以用半音音階彈成"C4, E4, G4, G#4, A4, A#4, B4, B#4, C5"，讓旋律有種延遲抵達的感覺。

老師也說，他想帶給學生的是更多的想法，也不會否決學生的思路。有些同學也許學彈琴、看譜很厲害，但是聽起來便會覺得少了靈魂，老師說，問題在於他的角度都不是從音樂出發，而是從那些看得到的譜。

☆問題回饋☆

Ｑ：想買些國中音樂班的基礎樂理書，這樣如何？

Ａ：可以找來看看。因為現在的小弟學習像在模糊階段，所以看了自然會吸收一些知識。一直以來憑感覺去猜的調性，也許就差這麼一點基礎樂理就能融會貫通。許多時候也許會覺得是靠編曲才能解決的，慢慢地就會發現，是靠更前期的材料與作曲旋律。

Ｑ：目前用Cubase的內建音源編木吉他或電吉他，並搜尋到讓它更擬真的編法。這樣是否得當？還是請個老師來彈比較好？

Ａ：比方說木吉他編曲，下次也許上課會帶吉他來，讓小弟聽聽有什麼細節。另外，現在也不會講所謂的鋼琴手，而是鍵盤手（我們不會定義我們是一個樂器）。要如何用鍵盤這個工具去驅動聲音，怎麼彈更像吉他、二胡、提琴等等。

Ｑ：從網路上找到編爵士鼓的八種能量的教學，獲益匪淺。但是又聽到真正的鼓手演奏，光rimshot跟hi-hat就可以演奏出不同的層次？

Ａ：一樣的想法，套裝音效聽起來比較2D，但改變深淺便會有3D的感覺。他是一個樂器，還是一個演奏家，差別便在這裡。可以嘗試壓MIDI力度大小看看，有沒有辦法壓出這樣的感覺，下週也會講到。

☆當週作品☆

Keaton [凱特] · A16_In Our Perspective(我們的視角)

【2023/08/21】

☆彈奏技巧☆

一開始老師讓小弟練習哈農，小弟選了普通但小聲(用觸鍵去彈)的哈農。

接下來，老師為了加強小弟對動態的感覺，老師讓小弟彈一段哈農，是前8個音音量"小"、中8個音音量"中等"、後8個音音量"大"、再後8個音音量"更大"、然後再循環至8個音音量"小"，周而復始地彈哈農。老師特別地提點，這樣的演奏方式，一開始的8個音音量小，不宜過度小聲到可能沒有彈到音，例如本來如果50:50機率可以彈到有聲音，至少要提升到90:10這種高信心度的機率，觀眾也才聽得到開頭的旋律。但如果一開始的8個音太大聲，後面就很難再依不同階段大聲上去，動態就不好。

為何老師在後段不作漸弱(漸強=>漸弱=>漸強=>漸弱)，是因為這與練習彈奏力道控制有關。如果沒有從音量"更大"突然掉到音量"小"，小弟可能還可以有許多緩衝空間。

接下來，老師給小弟練習反過來的動態，也就是前8個音音量"大"、中8個音音量"中等"、後8個音音量"小"、再後8個音音量"更小"、然後再循環至8個音音量"大"。

☆作編曲技巧☆

老師問小弟，有哪些方式可以表現音樂層次感？小弟一開始想到跳音跟一般的長音，老師說沒錯，這是音質，是一種表現方式，主要放在旋律，也就是main grooving。和弦是小弟想到的第二個方式，並彈了"C4G4C5E5G5"和弦，老師說也沒錯，但彈的內容剛好包含老師想講的兩個東西，和弦跟音域。特別是音域，如果音域選的不同，聽起來的"重量"感是不同的。

老師說，很常作曲會陷在所謂的「和弦陷阱」，也就是作出來的音樂只有grooving律動而已，但是有時候調一下音域，其實就解決了。老師特別舉了例子，比如平常我們去吃生魚片，結果生魚片啥也沒加，雖然還是好吃，但總覺得少了一味；但是如果加了太多東西的時候，就不知道自己在吃什麼東西了。所以，要怎麼放音的輕重，讓音樂廳起來有層次感，而不是聽完會有種無法呼吸的感覺。老師舉例子，流行樂裡常常會有類似C4, G4, C5, G4, C4, G4, C5, G4之類的彈法，從頭到尾都這樣，便會疲乏，用畫來形容，就是黑白畫、沒有任何的灰階。

老師問小弟，剛剛提到的"音質"、"和弦"、"音域"三個層次感要素，如果用畫來形容，會是哪些畫面的因子？小弟回答，"音質"可能像光影差異，"和弦"可能像畫面中的顏色，"音域"可能像整體畫面的灰階分布(小弟想到的是High Dynamic Resolution裡會用到的灰階頻譜)

特別針對音域，老師作了詳細的說明，鋼琴的高音域聽起來有種"Light"的感覺，中音域聽起來比較正常，低音域聽起來比較沉重。再者，老師先前提到的Lead、Pad、Bass & Percussion三角關係，例如Bass & Percussion就主要適合低音域。

接著，老師聊到音域的選擇。老師問，如果要閃躲人聲或是Lead的音域，伴奏最好往哪邊去發展？小弟回答，為了避免音域的衝突，可以往低音域或是高音域發展，但因為低音域聽起來比較沉重，所以往高音域發展是比較好的。老師回是，這樣的觀念是比較正確的。老師又問，那低音域要怎麼鋪陳跟安排？小弟回答，比較是簡單的旋律，因為低音聽起來很沉很重，簡單就好。老師說是，低音不要太多，低音就像啞鈴，啞鈴越多的時候，聽起來就越重、越不平衡，怎麼樣讓Bass聽起來"精簡"但是"精準"，是很重要的。老師進一步延伸Bass的概念，在使用音符上，有時候使用大量的旋律跟音符，遠遠比不上一個完整的休息(休止符)，有時候在編撰上我們偏好把小節填滿，但是，就像拿一杯水給別人一樣，如果水裝十分滿，那勢必很難拿、會灑出來，所以會倒七八分滿，作曲也是同樣。這邊老師也舉了Funk當例子，Bass在跟其他伴奏爭艷時，仍會有休息時間，以讓出空間給其他樂器。

剩下的時間，老師用許多知名作品的例子來說明，音域的選擇跟分布等等。老師也分享，弦樂(Strings)與Pad的好用之處，越激昂的地方上越多弦樂，也許吵，但很有力。

☆問題回饋☆

Ｑ：《雨落山屋》當中的初始跟終末的鋼琴聲音太硬，想套用類似踏柔音板的效果，MIDI裡面確實也有這個controller，但是DAW的音源可能不支援該controller。要怎麼作出類似的效果？

Ａ：老師表示，如果要達到類似柔音的效果，可以去直接改鋼琴的Attack、Release，跟抑制高頻EQ+cut掉60Hz以下的低頻，讓鋼琴的每個音不要這麼出來，又有延長音符的效果。但是缺點是，如果Attack與Release太多，延音會累積並產生泛音，就是比較不好的效果。另外，如果使用Reverb去調，也會有相似的Attack時間增加的效果，但目的不是將Reverb調成很濕的音。

Ｑ：樂器擺放的位置方面，老師有提到擺在前面\後面\側邊的空間位置，但是在立體聲來說，小弟似乎只能調左中右而已。要怎麼產生聲音在後面的感覺？

Ａ：其實現在的DAW應該都可以調空間位置。老師提到，以前的DAW比較沒有這個功能，要用調整聲波的方式來達成。但是老師也提到監聽環境的重要性，因為也許在自己的設備聽起來有效果，結果放到別人的設備，就沒有效果了。又例如，現在有很多的plugin，如izotope RX10，可以修復音軌，也可以偵測目前的頻率是否適合使用的曲風等等。

Ｑ：最近在使用Cubase消除唇齒音的plugin，使用上有什麼限制或要注意的地方？

Ａ：如果可以，錄製時就要注意唇齒音的發生與否，因為後製比較像補救，補救後失真的可能也很大。因此，麥克風加防噴網以及麥克風罩，也許是個不錯的方法。另外，需要調整自己，因為回到演奏本身，本來就不應依靠補救，就像明知道開快車容易車禍，卻因為仗著有救護車而開快車一樣。如果真的要調EQ，會建議拉低8K~10KHz的頻譜(需要抓頻率)，一般也是容易產生不舒服的地方。

Ｑ：最近遭遇一個狀況。以往的鐵粉聽眾同學，提出對曲子的調整建議，以及提出最近小弟的曲子聽起來比較不一樣等等。雖然最近寫的都是口水歌，但感覺都是從以前聽過的歌去抓旋律跟idea，感覺是老師所說的一個階段。

Ａ：老師說是。為何會說是一個階段？有時候我們會限制自己的創作，我就是只能寫什麼歌等等，但因為現在的音樂製作越來越方便，以往光靠專精一項曲風的音樂人，如今也被迫必須走以往比較沒接觸的曲風，也沒有所謂的"道地"的音樂，因為傳遞的關係，所以有時候確實不需限制自己。所以這確實是一個階段，經歷我可能不是這麼舒適的過程。

☆當週作品☆

Keaton [凱特] · A14_Decade of Wind and Frost(十年風霜)

Keaton [凱特] · A15_騎車去旅行

【2023/08/14】

☆彈奏技巧☆

　　因為整個禮拜都在忙，沒有練鋼琴，複習上週的彈奏技巧蠻多狀況的。

　　老師把跳音用成球在彈跳來形容，跳音要聽起來夠跳，除了力度夠，觸碰琴鍵的時間間隔也要夠短。跳音如果時間間隔偏長，這個彈跳的球彈到地面，聽起來就軟趴趴的，沒有彈性的感覺；反過來說，可以讓這個音聽起來，像是不變形的球在彈跳，有力度，聽起來就會夠「跳」。

☆作編曲技巧☆

　　老師先從五度音開始講起。比方說C4跟G4一起按，聽起來很完美、沒有太多瑕疵，便叫做「完全五度」(perfect fifth)[3]。用這個五度來向上向下發展、繼續彈五度(比方說C4G4, D4A4, D#4A#4這樣接續彈)，便叫做「平行五度」[4]。老師接著問，還有哪些可以稱為「完全」？因為小弟有學過，便講出了標準答案。除了「完全五度」，還有「完全四度」「完全一度」「完全八度」這幾種。

　　後續也講到了頻率相關的內容。小弟聊到，完全五度之所以聽起來沒有瑕疵，是因為do跟so兩者頻率有倍數關係。接著老師便講到，中國古代以「三分損益法」定律，將十二律的十二個音逐個導出[5]，以及A(The A above middle C)的標準音高[6]為440或442Hz的話題。

　　接下來，老師選了小弟家客廳的四樣物品（動態的時鐘、動態的冷氣、牆上畫中的任何一種動物、靜態的積木），要小弟用平台鋼琴為這四樣物品作出旋律。

1.時鐘方面，小弟想了很久，彈了(F4, Bb4)*4, (F4, B4)*4, (F4, C5)*4, (C4, F4)*4。老師說這段旋律很不錯。時鐘是動態的，而且一直往前走，有滴答滴答的聲響。因此，老師用這段旋律來表示：(C4, G4)*4, (C4, G#4)*4, (C4, A4)*4, (C4, G#4)*4，老師說這樣表達也許有點矯情，但這樣的聲響不但可以代表時鐘滴滴答答的聲響，還能代表時間不等人的急迫感（與C4, G#4的聲響有關聯）。老師進一步說明，像小弟家的時鐘的秒針是滑順的，沒有滴滴答答的聲響，這時候可以彈音階來表達滑順但是時間流逝的感受：(C6, B5, A5, G5, F5, E5, D5, C5, B4, A4, G4, F4, E4, D4, C4) + (C#4, D#4, E, F#4, G#4, A#4, ...)，其中後段的旋律再現鐘的時間流逝感跟緊張感。

2.冷氣方面，小弟也想了很久，彈了偏高音的(C6, D6, E6, D6)*4，感覺有種風在流動的感覺。老師說也可以，但是因為是高音的關係，存在感太過強烈。宜改成踩延音踏板並小力彈奏偏低音的(C2~~~, G2~~~)*4，低音聽起來糊糊的，加上是完全五度，比較沒有侵略性，也有風在流動的感受。

3.動物方面，小弟選了畫中的兔子，並彈奏了：E4~, F4~, G4~, F4~, E4~~~, F4, E4, D4..., A3C4, B3, C4, D4, E4, D4, E4, F4, G4~, A4~, G4~..。跟老師解釋，其中用了A3C4是因為兔子四隻腳，兩腳著地的聲響用兩個音的和弦來表示。老師說不錯，老師會用這樣的旋律：(E4G4., C5.)*2, (F4A4., C5.)*2，用一點跳音，代表兔子兩腳著地、有跳躍感的同時，因為兔子後腿有力，兩個音的地方會稍彈大力一點。老師進一步解釋之前用音樂教要小朋友起來走路的音樂是(C5., G4.)*4，就是兩腳走路有動作的律動，其中老師還會C5彈大力一點、G4彈小力一點，代表人走路時一腳踏重一腳踏輕（人自然走路重心便是如此）。

4.積木方面，小弟一開始彈了低音的C2~~~~~~~, G2~~~~~~~，後來又覺得積木應該是輕盈的，所以改彈高音的C6~~~~~~~, G6~~~~~~~。老師說，感受的方向沒有錯，積木確實要彈偏高音一點，代表它重量是輕的。假設是靜態的背景的積木，最好的方式是用完全五度的旋律來詮釋，也就是C6~~~, G6~~~, C6~~~, G6~~~。又或像是一本書，老師也會用完全八度的長音來去敘述一本書：C4C5~~~~~~~~~~~，也不會用音程例如C4E5~~~~~~~~~~~，因為聽起來會有種，這本書不是方形的不規矩感。如果要讓積木這個靜態物體更搶眼、更有存在感，老師表示可以用C6F6~~~, C6F6~~~的方式反覆彈奏，和弦會讓這東西更有存在感，但是和弦不位移會讓人聽起來是停止、靜態的。

　　老師作了總結，今天的課主要是讓小弟能夠理解，編曲時所想表達的動態(時鐘、冷氣、兔子)、靜態(積木)物體的表示方法，以及有景深的編撰方式，有前景(時鐘)、有主角(兔子)、有背景(冷氣、積木)。lead(主角)，pad(環境)，bass(動態)，也是經常用來詮釋的樂器。不過，老師也希望小弟可以不用太侷限於公式、公版，畢竟小弟作曲當初的目的，是為了人生的興趣跟舒壓。

☆當週作品☆

Keaton [凱特] · A12_重提往事

Keaton [凱特] · A13_Fireworks(花火)

【2023/08/07】

☆彈奏技巧☆

　　為了增加小弟的鋼琴彈奏的表現力，老師在哈農的曲子中多加了一些要素：1.連音彈 2.跳音彈 3.先連後跳 4.先跳後連 5.連續輕彈

　　這個目的是為了讓小弟更清楚鋼琴按下按鍵之後，琴槌回饋的力度，以及了解手指施力到何時可以觸發彈奏的聲音（即便聲音非常的小聲）。跳音(以及各種彈奏的聲音)必須注意是用手指的力量，而非用手腕、手肘的力量，否則彈起來會有"刺"的感覺。

　　依照小弟自己的理解，跳音如果轉換成MIDI的音符，除了"時間短"以外，還必須加上"力度強"，跳音聽起來才有張力，否則時間短但聽起來軟軟的，這樣沒有表現力。

　　先連後跳抑或是先跳後連的彈法，關鍵其實在於樂譜上不會顯示的預處理，也就是，先連後跳的樂譜上也許寫著[1,2連3,4跳5,6連7,8跳]，但是預處理上，2跟6的連音放開琴鍵時其實就要比較早了（轉換成跳音）。小弟的理解上，甚至轉換成手指彈奏時要彈成[1連2,3,4跳5連6,7,8跳]這種誇張的狀況。先跳後連也是一樣的道理，[1,2跳3,4連5,6跳7,8連]最後表現出來的結果會很接近[1,2跳3連4,5,6跳7連8跳]。

　　連續輕彈可以練習獲取鋼琴觸發聲音的力度。但老師也提醒小弟，不用過度要求每個輕彈音都要一次到位，在彈奏過程中感受撫琴的力度回饋跟不斷的調整彈奏力度，才是最重要的。如果顯示在MIDI中，127是最強音量，連續輕彈大概會落在40~50左右的強度。

☆作編曲技巧☆

　　今天的課程，最開始老師請小弟先從一個音階(加上八度，共有8個音)裡面選擇4個音，隨興就好。小弟選了C(唱名do，一音)、D(唱名re，二音)、F(唱名fa，四音)、B(唱名si，七音)。老師又給小弟一個限制，也就是想好兩個四四拍小節的節奏，想完後再彈。

　　小弟首先彈了一段兩小節只有單音的旋律。老師進一步引導小弟，問說鋼琴（音樂）可以有哪些表現方式？小弟回答除了「單音彈奏的旋律」，還可以綜合「和弦」，「三連音」，「音量(或彈奏力度)的大小」，以及剛才學習到的「跳音連音(彈奏方法)」。

　　老師這時候補充了一個小弟與多數作曲家常會忽略的「休止符(休息)」。老師也提到，休止符如果太短，感覺沒有太多休息的感覺；但是休止符如果太長，感覺休息太久了，不知道下個旋律在哪裡。但是，如果運用恰當，休止符可以營造出"期待"、"未完"的感覺呢。老師這時候用剛才挑選的4個音，用兩小節示範了「音符長短」「和弦」「休止符」等幾種作曲技巧。

　　接下來，老師講到動態(dynamic)，並提到強弱法[2]的強弱記號。老師提到，以前師公問了老師說f記號（forte）是什麼？老師說"強"。師公又問老師，那有多強？老師回答，就是"強"。後來老師在演奏中體悟到，f記號、p記號、mp記號所記錄的，並不是絕對的強度，而是「相對」的大小聲。在作曲上，如果前面已經演奏到f記號了，後面卻又希望更大聲，那麼就會用ff記號來標註，代表"更強"，甚至後面又希望更強，就會用fff記號。弱的部分也是一樣。同理，有些人用pp記號彈鋼琴，可能彈起來就是這麼小聲，但又有些人彈可以彈得更小聲。所以，一切都是在音樂的表現，而非絕對音量要多大聲、多小聲。

　　然後，老師聊到方向性。老師問小弟，鋼琴高音聽起來跟低音聽起來，有什麼不同？老師進一步解釋，在古典鋼琴彈奏中，鋼琴越往高音彈（爬音），因為用同樣力度彈聲音比較小聲，在越高音的時候會彈得越大力，會用漸強的方式來彈奏，所以便會有所謂的「方向性」，也很常會在古典彈奏中出現。反之，如果我們逆著這個越高音越大力的方向性來操作也可以，越高音越小力，聽起來好像物體漸遠、慢慢看不見的感覺，這樣也是一種表現的方式。

　　最後，老師講到律動(grooving)。老師提到，一般講到律動，只會想到爵士鼓等敲擊樂器，但是其實鋼琴也有所謂的律動(grooving)，例如彈奏1 5 1' 5 2' 5 1' 5（簡譜表示），其實也可以轉換成BD(Bass Drum) HH(Hi-hat) SN1(Snare) HH(Hi-hat) SN2(Snare) HH(Hi-hat) SN1(Snare)，因為音高不同跟節奏，而有律動。

☆當週作品☆